第1个回答 2022-06-13
如同书名《诗意的身体》一般，当代戏剧对于人的身体如维柯《新科学》中那样的诠释，我们的身体将达到“原始诗性智慧”的高度，这一切有幸由雅克勒考克好似得到了天启，创造了一条路径出来。“诗意”，意味着“诗性思维”，“身体”如同智慧，两者结合，是风暴，是瘟疫（阿尔托语），是一场革命。
在没有接触勒考克之前，大多数人，无论是导演、演员还是观众都会对形体戏剧这个词产生很模糊，边界不清晰的印象。形体戏剧是不是指纯粹的动作？没有台词？那么《穆勒咖啡馆》是不是形体戏剧？舞踏算不算形体戏剧？是不是只有形体动作且具备在场性要素的，就能算形体戏剧了？
恐怕没有那么简单。
如果要从词源上追根溯源，那不得不说Physical Theatre，这个词。它Physical，如果粗粗一看，那么你猜它这个词翻译过来是物理学的，那么OK，你猜对了。然而，They are having a physical relationship.又怎么理解呢？也许，physic还表示“医学，医术”。那其实physical是个多义词，除了“物理学的”意思外，还有“身体的；物质的；性欲的，肉欲的，自然属性的；使用武力的”的含义。一个词即表示物理性的，又表示自然属性的，又可以表示身体，这个词用与Theatre结合，那么将会得到身体剧场、自然剧场、诗意剧场、形体剧场等多种解释。翻译过来让人摸不着头脑，这也难怪了。
如果要从历史来看，勒考克身处法国五月风暴时期，那么同时期的人都有谁呢？吕西安·阿图、阿尔托、德勒兹、在他乡异国的福柯……这里面不仅有哲学家，戏剧家以及其他各类形式的艺术家们。现在从历史考据的角度去看过去，这些人多少都会有互相影响成分。勒考克提出的“流动”的概念，德勒兹也有在“流”的层面提出哲学思想。打破固化，让一切流动起来，是五月风暴的一条重要的折射。这里像一个褶皱（德勒兹），《诗意的身体》一书中描述的训练方式，我们以学科分类的眼光来看，是跨学科的。但我们是否也可以看作它是一种“流动的训练”，把一切艺术形式以流动的方式贯穿起来？
“学校最重要的主题，就是自然……观察生命的本质……这对我而言简直太棒了，我的生命仿佛打开了一道大门……”（诗意的身体 P6），根据书中的记载，以及对训练方式的分析，就我冥冥之中，感觉Physical Theatre隐喻的是某种对自然，对生命本质的全然开放，同时又加以技术技巧的运用。那么Physical Theatre是不是可以直接称“诗性剧场”、“自然剧场”呢？然而，这里面还有一个关键点，就是文化属性的结合。雅考克在意大利学习的戏剧，在起源上，他深受意大利即兴戏剧、面具等戏剧表现形式影响。也许这些都影响到雅考克的戏剧观念。从面具（哑剧）的形式入手，贯穿训练，让人误以为舞台上的演员都不说话，只是用面具、肢体去表演。但其实并不是这样，Physical Theatre的演员，也会发声。他们并没有保持沉默。所以怎么能说是“形体戏剧”呢？
而且Physical Theatre这个形式，受到过阿尔托（这个疯子）的影响，阿尔托是什么人？提出“无器官的身体”的人，同时也提出，“瘟疫”这样的字眼来形容戏剧的人……总而言之阿尔托对于当时的欧洲戏剧来说，是一个“可怕”的对象。Physical Theatre这个词的翻译，绝不是简单的形体戏剧能简而言之概括的。我个人浅薄的见识认为，以自然流动的状态，流过一切艺术形式，并以生产（技术）的方式，让在场者（观众、演员）共同体验生命的本质（诗性）。可以称为“Physical Theatre”，“心物合融戏剧”，“诗性剧场”。
……（对自己无语）
这只是我的大胆推测。当然！要证明这个推测的存在，以及历史真实性，需要大量的论文和阅读基础。包括至少需要把法国五月风暴前后艺术家、哲学家们的书籍看一遍，随后还要看完欧洲的艺术家们的著作，从中互相对比，以此证明我的猜测。当然！这将会是一个浩大的工程，有缘者渡之！
对Physical Theatre译名的思考，可以帮助了解Physical Theatre背后的渊源，以及《诗意的身体》的戏剧观，这对于理解本书的结构会有很大的帮助，至少知道“为什么要这样设计”，“这个训练为了什么”，出于什么样的考虑。诸如此类的问题在大环境，大背景下，至少得到一个模糊的概念。
《诗意的身体》这本书的结构非常好，不仅清晰的把整个Physical Theatre全貌展示了出来，同时还有一些真正训练上会遇到的细节和问题。这些细节的描写会帮助阅读本书的人避免一些错误和避免“分辨不清”的时刻。
有些情况，比如当我们在训练的时候，训练者往往有“舒畅”的感觉，那么这是他们在训练过程中，得到了“治疗”，而不是创作本身。这个训练变成了一种治疗，但治疗的功能只有参与者才能体验到。然，作为创作本身，它的作用变得非常微弱。这些问题在书中也在被一直强调，创作者不需要自我满足、自我表现。
当然，创作者如果在创作的时候，参与了创作实践过程，但是当这个创作完成的时候，会有一种不属于“我”的感觉。创作者/训练者，会有一种失落的感觉。因为创作的完成，如同西瓜的成熟，将要拿出去（卖）给人们品尝。所以他们会有一些失落感。这样的现象和感受是正常的。当然也许部分创作者/训练者们不会有失落的感觉，会产生一种作品/精神的延续的感受。
还提到，自我表现与创造行为的平衡。在许多训练中，大部分演员只是在“自我表现”，沉浸在他们认为的极大的快感之中。然而观众呢？观众并没有代入进去，观众并没有满足感。这部分的描述，有一点点好像需要演员把观众一起带入到高潮的想象。我回忆起之前的一些训练和排演中，演员表演的目的“是他自己”，而不是站在台下的观众。演员把表演空间占为己有，将观众排除在外。于是表演就变得极为自私和私有。然而这两者，自我表现与创造行为的平衡，是很难实现的，这也是演员要努力的目标。
噢！这又让我想到了某演员，“生活的呐喊混淆在幻象的呐喊之中”，过多的心理分析式在深层回忆中寻找创作感受，忽视了四周的生命与事物的运作/运动，以及运动如何反应在我们自己身上。过多的“自我”压缩了表演空间，让这一切外部世界不复存在，过近的角色与人物距离，也使得将呈现留给了自己，无法传递给观众。
这些在训练中的小细节，作为训练指导学习是十分有效的。首先这建立在阅读者需要一定的实践经验的基础上，才能直观的感受到文字里的画面。当然作为实践之前的预学习，也有一定的帮助，但想象空间不大，而且训练的时候发生的问题，简直是层出不穷……
最后，在阅读过程中，我做了一个思维导图，方便理解Physical Theatre的全貌，以及本书的结构。希望有所帮助。