笔，点·线的粗细长短阴阳顿挫，墨，枯湿浓淡，焦浓重淡清 “笔墨之法”
笔法：中锋、侧锋、逆锋、回锋、拖笔；
墨法：积墨、破墨、泼墨；
“五墨六彩”
五墨：焦、浓、重、淡、清；
六彩：黑白、干湿、浓淡。
写意笔墨讲究“笔墨情趣”。 中国画中用笔和用墨的方法
关 于 用 笔 用 墨
中国画的用笔用墨，在于“笔以立其形质，墨以分其阴阳”。笔到墨随，有笔必有墨。二者本不可分。但用笔好未必用墨就好，同样用墨好未必用笔也好。古人对于不甚美好的笔墨的评语，谓某“有笔无墨”或某“有墨无笔”。有时我们在评价一幅画也称其墨韵佳笔力欠蹄，就是表明笔墨两方面不能尽善尽美。由于国画对笔墨的极端重视，而笔墨二者，实际却又存在着相对独立的审美价值，古今在论述笔墨技法时，通常予以分别对待。为便以掌握用笔用墨的要领，在此亦按惯例加以叙述。
什么是笔墨：
中国画的技法问题，最突出的是笔墨，评定一幅国画的好坏、优劣，价值的高低及鉴定的真假，都和笔墨分不开。国画家也只有通过笔墨才能画出向表达的事物来。笔墨掌握愈好，所表达的事物与能“神似”和“突出”。只有掌握了笔墨技巧，想画什么才能够像什么。所以说，笔墨就是国画的生命，也是国画的灵魂。
2）、用笔和用墨：
古书里谈论用笔用墨的论述很多，往往让人感到高深莫测，一般人很难理解。所以我们可以把笔墨通俗地理解为使用毛笔和墨的方式所表现出表达事物的效果，是用笔用墨的总称。笔墨由一般词语转变成中国画绘画技法得一个术语，说明如何发挥他们的特性是很关键的问题。所谓“笔”是描的线、点、面，而线条是主要的。所谓“墨”是描得浓淡深浅（包括色彩），而水墨是主要的。线条和色彩（墨色）是构成中国绘画的主要条件。
人类用自己的智慧产生了很多表达自己思想的方式，绘画是其中的一种。在绘画中，中国画发展了一千多年，形成了自己独特的一套艺术语言。虽然艺术没有规定应该如何去做，画也没有明确规定应该怎么去画，但追索它的发展历史，还是可以发现他有规律可循，这种规律就是用中国画的笔墨传达思想感情。
用笔勾轮廓，用墨分明暗是中国画的主要绘画方法。用笔要有轻、重、粗、细、缓、急之分；用墨要分出浓、淡、深、浅、干、湿变化。这样才能表现出物体的结构、远近、空间。作画用笔和写字用笔的方法是一样的，所以我们常说“书画同源”。中国画用笔的方法与写字用笔的方法密切相关，写字是由点、线合成，作画也不外乎是点和线的结合。又由于每个人的个性的不同，爱好的不同，作画时笔墨表现事物的手法的不同，就形成了不同的艺术面貌和风格。中国画树大根深，深深扎入中华大地，代代相传，生机不绝，始终一脉相衍，它的生命力含有饱满的民族感情、深刻的民族特性和明显的中国特色。中国画强调“外事造化，中得心源”，艺能上要求降服物象，抒写灵性，托物寄意，寓情于景，达到意存笔先，画尽意在，天人合一，物我两化，以形写神，形神兼备的境地。中国画重视程式，重视程式美，画种境界乃是通过程式和形式之美得以呈现。西洋绘画近似话剧，而中国画则近似中国的京剧，文人画更接近昆曲，重品藻、重内涵、重意蕴、重境界。故在创作过程中，为表达情致而充分展开思想，强调作者心灵的能动作用。在达意、抒情、畅情、求趣上，都和骨法用笔、线条运布有密切关系，古时学画的画工都是从练习画圈和画方块开始的，画圈是练习曲线，画方块是练习从各个方向画直线，学习一段，就能体会到用笔的奥妙，这个方法是值得我们学习和利用的。
从中国画史的发展来看，每个时期的绘画风貌都受到时代环境的影响，构图、笔墨、表现方式等都反映着当时的审美趋势，但内在的精神却是恒古不便的，艺术是情感的表达，古人和现代人的外在物质是决然不同的，但内在精神方面却是一切不变，这也是现代人对古代艺术不知疲倦研究的原因。中国画有别于其他画种的标志就是笔墨，从谐和的“六法论”到石涛的“一画法”，丛临摹古人到生活写生，都是追求一个自然。山水画中“天人合一”的内涵是“人如其画，画如其人”的最高境界。画家要表现自己的思想感情，就要借助笔墨这种方式表达出来，对于笔墨的理解标准由四个层次：
第一阶段是用笔墨造型，也是国画的基本功能。（简单的认为笔墨就是毛笔与墨的关系）
第二阶段是懂得了笔墨技巧，是否是中国画的标准。知道了用笔的变化和用墨的效果。
●“骨法用笔”也就是书法用笔。
●线条的变化，如“折钗股”“锥画沙”都是形容用笔的变化。
●笔是骨墨是肉，用墨（包括用色）也就是用水的变化。会用水的作品韵味足，“屋漏痕”“泼墨法”也就是用水的变化。其他如“撒盐法”“拓印法”等也属于笔墨的范畴。
●“知白守墨”画面的留白、构图也是一种大的笔墨关系。
第三阶段选择适合自己的笔墨加以运用并形成自己的面貌。融性情于笔墨。
●陈子庄的“生而熟，熟而生。”是他难得糊涂的表现，刚劲的线条是力量的美，柔软的线条韵味无穷，恰到好处的用笔用墨的表现是一个成熟画家的表现。
●“元人一笔两笔不算少，宋人千笔万笔不为多。”是指笔墨多少的运用，每笔都能找到依据，都能看到师承脉路，是着一阶段的共性。
第四阶段无法之法地创造笔墨。
●“外是造化，中得心源”“我有我法，自有我在”等等是画家长期学习、积累、合理运用，抛开固有的一切笔墨约束，通过写生、思考后创造来的崭新笔墨语言，达到这点的就是艺术大家，用自己的语言完美地表现自己的思想感情。
●八大的清静孤高，石涛的诡秘多变，齐白石的朴实简洁，傅抱石的潇洒灵动，李可染的稳重虚心。
3）、墨的使用
画国画需要学会用墨，一般作画拥油烟墨。墨法是与笔法分布开的，画国画以笔取气，以墨取韵，这是中国画笔墨的追求。古人云“笔为骨，墨为肉”，就是十分恰当的比喻。
中国画的用墨是在不断地绘画实践中逐步形成的，用墨是根据具体表现对象而决定的，该淡就淡，该浓就浓，用墨是有层次和变化的，这些层次和变化都是由浓淡而构成，我们常说：“墨分五色”就是这个道理。中国画的用墨的层次大致有焦墨、浓墨、淡墨之分，在这些层次之间可以分出各种层次的墨色来。中国画的墨色是层出不穷的，墨法运用的目的是表现物象得体积感、空间感、质感，也不是仅仅为了表现明暗，更要的市去用墨写形传神。古人用墨，由“惜墨如金”之说，就是对用墨的至精之道。（如董其昌，故其作品流传数百年之久不变。）
现代山水画家黄宾虹先生深究用墨之法，他所画的墨色，无论浓淡，皆光华焕发，没有晦滞之色，他在画语录中把墨法归纳为七种：“浓墨法、淡墨法、破墨法、泼墨法、集墨法、焦墨法、宿墨法。”并说“七法齐用，谓之法备，不满三中不能成画。”
李可染先生把中国画的墨色分为五个层次，一般人只能达到两个层次。画到三个层次，就很不错了，达到四层为佳品，到达五层为神品。可见墨色在中国画中的重要。
用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡悉无精神，必须有浓有淡，浓处需精采而不滞，淡处需灵秀而不晦，用墨亦如用色，古有墨分五色之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓中有淡，淡中有浓；有最浓、次浓，稍淡、最淡，就是要灵活的用墨，用墨最忌板浊，板由无浓淡枯湿而生，浊由无浓淡枯湿处理不当而生，要采取浓破淡，淡破浓之法避免这些弊病。
笔法墨法结合运用，任何效果都可预期而的，古人云“用笔不可反为笔用，用墨不可反为墨用”，“笔中用墨者巧，墨中用笔者能”。因此，用笔必须和用墨结合起来，笔的轻、重、缓、急和墨的干、湿、浓、淡一定要协调起来，才能产生好的效果。另外，笔墨技巧的关键是笔、墨、水的关系的恰当运用，只有充分好的发挥了三者的关系，才能达到自由的运用，其关键是到实践中去体会，不断吸收经验，熟能生巧，巧能生其，其就达到了艺术的至高境地。
4）、线的使用
中国画的特性是由于其特有的绘画工具而形成的，不同的工具必然产生出不同的效果和各异的风格。中国的毛笔的使用是中国书法、绘画在早期就显示出用线描画的特征，经过数百年的积累和发展，到战国时已确立了以线条居主要地位的绘画形式，这一艺术技巧的特点是中国绘画的典型特征，它具有典型的民族特性和独特的艺术风格。从战国的帛画到西汉早期的佚名绘画，这种利用简练、流畅线条进行绘画的形式一直沿用至今，产生了众多的画派，显现出不同的地域画风。
中国的书法和绘画艺术，都讲究线条的运用和变化，“线”，是中国画创作书写情思，塑制物象，营造意境，酿成气韵得最基本的要素及手段。中国画家运用大小、软硬不同的毛笔和轻重、缓急的方式，在专门的宣纸上用墨产生不同的黑白或色彩效果。在书画创作时，他们把艺术观念和高超的绘画技巧同时集中表现在他们的作品中，倡导“外事造化，中得心源”的艺术境界。也显现出画家的品行、气质和修养。
怎样描画线条，即如何用笔；怎样掌握水墨即怎样用墨。大致说用笔的方式有两种，既“中锋”和“侧锋”。中锋，笔尖在线、点、面得中间，而侧锋笔尖都顶着线、点、面。同样一条线，由于用笔的不同，线条的表现和感觉也随着不同。山水画中钩、皴、点、染贯穿着用笔用墨的技巧。“钩”、“皴”、“点”“染”四个过程，以钩最为基本，这四个过程既是用墨的过程，也是用笔的过程。笔法是根据物象描绘的需要，在轻重、徐疾的运笔中使线条表现出丰富的变化，石涛在画语录中说：“动之以旋，润之以转，居之以旷，出如截。入如揭，能方能圆，能直能曲，能上能下，左右均齐，凹凸突兀（WU）,绝截横斜，如水之就深，如火之炎上，和自然而不能强也，”这里说的是笔划的运用和作用，只有善于执笔运腕、悬腕、悬肘、运臂，能自由转动，八面出锋，才可刚柔虚实，抑扬顿挫，无不如意。
笔法中有四个方面需要了解和掌握，既速度、水分、压力和方向，这四者互相制约，互相关联，相辅相成。书法中把行笔的速度称为疾涩，疾为快，涩为慢。快的效果爽利，慢的效果是沉着。水多笔速不致涨淫，笔干慢速也可滋润，这里要注意的事，行笔太快非浮薄即枯焦平板，行笔太慢非涨淫即痴呆造作。因此，快慢要合度，快慢只是表现的方式，还要结合其他因素从心所欲。笔中水分的多少与行笔的速度结合，则干湿浓淡无不如意。没有水的作用墨色不能变化。古人说：“画要善于用水，一要洁净，二要合度，三要渗破。”所谓“秋风干裂”“春雨蕴含”，“势如崩云”，“形同碎锦”等效果的产生都与笔中水分密不可分，水用得恰到好处，是墨色明镜醇厚，意趣无穷，令人神往，笔在纸上压力的轻重不同，可得宽狭、干湿、整破、刚柔等不同的线和点，山水画中的皴法多为笔在纸上的压力不同而形成。压力与水分、速度相结合，就更增加了笔墨的变化和表现力，从笔锋的位置和运行方向不同，可分为中锋、侧锋、顺锋、逆锋，笔锋在笔划的中间叫中锋，笔锋在笔画的一边叫侧锋，从左到右、从上到下行笔叫顺锋，反之则为逆锋。
5）、点的作用
点苔是山水画技法的重要创造，其广泛运用，不仅丰富、发展了山水画的艺术语言和艺术风格，而且也大大的拓展了山水画意境的内涵，“宋法刻画，而元变化”，其中明显变化在山水画艺术表现苔点运用何必线的交响上，是展示江南画派的韵味更趋深邃，点在画面境界创造方面点线相协，“妙在相参而无碍”，使某些繁复苍郁的意境能得到深入的表现。在元时电台的技法以相当成熟，并形成了各家鲜明的点苔特点，成为某家审美风格的重要组成部分。如黄子久的竖点，陈书明的渴点，倪云林的横点，仲圭的攒点。并非“恐覆山脉之巧，障皴法之妙”（沈周）而不以苔法，而是发展到“画不用苔法，山无生气”的地步。元四家等为代表的“元画”，点苔配合着用笔如行楷、行草的皴笔，是画面艺术的韵味感、意趣性大为提高，这也是南画一个突出的形式特点，点苔的作用大至有五点：
（1）． 分清山石的界限；
（2）． 提醒山石的精神；
（3）． 补充皴法的不足；
（4）． 代替草和远树以见“草木华滋”的气象；
（5）． 与线笔配搭，以见笔墨的变化。
绘画作为人的意识活动，山水画作者把人对自然的印象转变为艺术形象，想象是介于感觉和理智之间的，但各代艺术意识，审美观念却各有变异，艺术方法各有不同，因此形成了众多的流派、面貌，可见点苔创造的不同形式和自然规律的联系是分不开的，自然现象必须服从艺术表现的要求，艺术表现来自于自然现象。
点苔是笔墨中的一个不可忽视的技法，点苔可视为是山上的小树和小草，也可视为小石或其他物象，还可以起到破墨的作用。明唐志契论点苔，当从石缝中点出，或浓或淡，或浓淡相间，不多不少，不密不疏，古画有横点、直点、亦有不点苔者，先画一石，无一笔颓败，故每点一点，必须安适。点苔不可牵意点擢，乱点一阵，苔点点的好可意趣迥异。
6）、色彩的运用
用水墨画出来的山水画，基本上已经能把美丽的景物的精神表现出来了。但要进一步要求更加美观，表现得更真实就需要这色。
（1）、山水画的着色基本分两大类：1、浅绛着色。2青绿着色。（有的分为三类即浅绛、青绿、水墨。）
元朝以前的山水画对于着色非常注意真实，处处都是对照实景，虽然不是对景写生，也是对景物有长时间的领悟之后，或者在勾稿时作详细的分析，创作出来的画才美丽、耐看。（象齐白石的手稿小构图上，有很多注释，注明什么地方如何画，如何着色，着什么色，一一列出，和详尽，可见它的认真，当然每幅作品都会成为精品。）如故宫藏画《千里江山图》（宋王希孟作）青绿色彩至今依然艳丽如新。
元以后的画家，大都采取简便法。只师古人，不是造化。照古人的临摹，失去了真实。
黄子久画虞山风景，据景创造出一种浅绛着色法，画出来真实的反映了虞山的实景，明、清画家承袭了这种着色方法，随出现了浅绛山水。
（2）、色彩的运用
山水画的着色原则上应：
第一、 鲜明，用色洁净自然就明块了。
第二、 大方，多体会真实景物的着色就大方了。
第三、 沉着（就是不轻浮），着色要注意用笔，不可轻轻一抹，染山石物体或天空泉水，需融洽而不刻露，就会沉着不轻浮。
第四、 浑厚。染色时要和原来的笔墨协调融合，不使颜色比原来的笔墨刻露痕迹，要色不碍墨，墨色融合，就可以达到浑厚华滋。
总的来说，着色的窍门要生动、调融。不论浓色淡色，着青绿或浅绛，用色的时候都要生动自然，不可有丝毫板滞的地方，用水多少必须合适。其次要注意原来画的墨底，让他处处墨色相调，“色不碍墨，墨也不碍色，”就说明颜色是帮助墨的不足的，墨是颜色的骨干，色和墨要融化，要做到所有颜色不掩盖墨的光彩，不减退笔力，才能达到着色的作用。
（3）、浅绛山水的着色：
浅绛是红赭色，以赭石为主，同时施一淡花青，用这种方法着色，要在单纯中见丰富。先用墨色画出墨稿，笔要简练，清晰。墨干后，用但这是渲染，山石暗部加少许花青，（也可加点藤黄）要给人以淡雅的感觉。
（4）、青绿山水的着色 写意画的用笔方法，历代画家总结了很多宝贵的经验，其中比较重要的是：“意、力、韵、趣”的用笔“四要”。
（1）笔意
就是要意在笔先，画家下笔时要心使腕运，以一种特定的情感、意念去驱使笔墨，才能因意成像，以像达意。笔意是用笔之总要，无意之笔是死笔。历代画家创造的艺术，所以能激动人心，主要是画家在笔墨技巧中融进了激情和意趣。
（2）笔力
就是运笔的力度感，是形式美感的重要因素。笔的力度感有两种内涵：
第一是功力的力。所谓“力透纸背”、“笔能扛鼎”就是一种运笔功力的表现。表现运笔功力的程度有“老”与“嫩”之说。功力的老到，要有一个长时间的锤炼过程才能做到，所谓“学力到，心手相应；火候到，自无板、刻、结三病矣”。功力老到的画家，即使柔细的线条，也能做到柔中有刚，棉里藏针，有内在的力度。而初学者，无论使多大的劲，笔痕还是稚嫩无力，所以，笔力是一个长期的功夫。
第二是气力的力。属于用笔技巧，只要掌握用笔的方法和规律，就能做到。运气使力的方法，首先是下笔前的用意要有力，要全神贯注，凝神静气，然后以意领气，以气导力把全身的气劲由臂至腕，由腕至指，再由指把力注于笔端，使劲力自然透出笔端。切忌表面的剑拔弩张、火气十足。
（3）笔韵
所谓笔韵，有韵味和韵律二种含意。韵味，就是要求通过用笔的轻重、虚实、刚柔、方圆、徐疾、顿挫等变化，求得画面的统一与和谐。如同音乐一样，有一个基调、一个主旋律。韵律是用笔要有运动感和节奏感。和书法一样，讲究线节奏，“侧法如飞鸟翻然而下”，“勒法如勒奔马之缰”，“轻如行云流水之变动”，“重如高山坠石之势”。
（4）笔趣
笔趣有意趣和天趣两种含意。用笔有趣，才能使观者赏心悦目，获得美的享受，故笔趣乃是使画产生形式美感的关键。用笔的意趣，在于巧妙地处理笔的生熟、巧拙、老嫩等关系。用笔熟而生巧，美则美矣，但会流于匠气、市井气。所以笔贵在熟而后生，由熟返生，“画到生时是熟时”，才生意趣。用笔灵巧、奇妙，固然不易，但要警惕流于甜俗。所以用笔贵在古拙，由巧而到拙，纯朴而磊落大方，乃生机趣。
用笔的天趣，发于无意之笔，所谓“好笔、好墨偶然得”，是一种顿悟，灵感突发。求笔的天趣，固然与画家的才能有关，更重要的是需依靠平时的学识、修养和长期的苦功。 c1、中国写意画讲究用笔和用墨，用笔包括（落笔），（行笔）、（收笔），用墨包括墨色的（浓淡），（干湿）的变化的运用。
2、传统中国画的基本技法是（勾）、（皴）、（点）、（染）。... 用笔包括笔意、笔力
用墨包括墨色的质量和阶梯
笔法：中锋、侧锋、逆锋、回锋、拖笔；
墨法：积墨、破墨、泼墨；
“五墨六彩”
五墨：焦、浓、重、淡、清；
六彩：黑白、干湿、浓淡。
写意笔墨讲究“笔墨情趣”。 中国画中用笔和用墨的方法
关 于 用 笔 用 墨
中国画的用笔用墨，在于“笔以立其形质，墨以分其阴阳”。笔到墨随，有笔必有墨。二者本不可分。但用笔好未必用墨就好，同样用墨好未必用笔也好。古人对于不甚美好的笔墨的评语，谓某“有笔无墨”或某“有墨无笔”。有时我们在评价一幅画也称其墨韵佳笔力欠蹄，就是表明笔墨两方面不能尽善尽美。由于国画对笔墨的极端重视，而笔墨二者，实际却又存在着相对独立的审美价值，古今在论述笔墨技法时，通常予以分别对待。为便以掌握用笔用墨的要领，在此亦按惯例加以叙述。
什么是笔墨：
中国画的技法问题，最突出的是笔墨，评定一幅国画的好坏、优劣，价值的高低及鉴定的真假，都和笔墨分不开。国画家也只有通过笔墨才能画出向表达的事物来。笔墨掌握愈好，所表达的事物与能“神似”和“突出”。只有掌握了笔墨技巧，想画什么才能够像什么。所以说，笔墨就是国画的生命，也是国画的灵魂。
2）、用笔和用墨：
古书里谈论用笔用墨的论述很多，往往让人感到高深莫测，一般人很难理解。所以我们可以把笔墨通俗地理解为使用毛笔和墨的方式所表现出表达事物的效果，是用笔用墨的总称。笔墨由一般词语转变成中国画绘画技法得一个术语，说明如何发挥他们的特性是很关键的问题。所谓“笔”是描的线、点、面，而线条是主要的。所谓“墨”是描得浓淡深浅（包括色彩），而水墨是主要的。线条和色彩（墨色）是构成中国绘画的主要条件。
人类用自己的智慧产生了很多表达自己思想的方式，绘画是其中的一种。在绘画中，中国画发展了一千多年，形成了自己独特的一套艺术语言。虽然艺术没有规定应该如何去做，画也没有明确规定应该怎么去画，但追索它的发展历史，还是可以发现他有规律可循，这种规律就是用中国画的笔墨传达思想感情。
用笔勾轮廓，用墨分明暗是中国画的主要绘画方法。用笔要有轻、重、粗、细、缓、急之分；用墨要分出浓、淡、深、浅、干、湿变化。这样才能表现出物体的结构、远近、空间。作画用笔和写字用笔的方法是一样的，所以我们常说“书画同源”。中国画用笔的方法与写字用笔的方法密切相关，写字是由点、线合成，作画也不外乎是点和线的结合。又由于每个人的个性的不同，爱好的不同，作画时笔墨表现事物的手法的不同，就形成了不同的艺术面貌和风格。中国画树大根深，深深扎入中华大地，代代相传，生机不绝，始终一脉相衍，它的生命力含有饱满的民族感情、深刻的民族特性和明显的中国特色。中国画强调“外事造化，中得心源”，艺能上要求降服物象，抒写灵性，托物寄意，寓情于景，达到意存笔先，画尽意在，天人合一，物我两化，以形写神，形神兼备的境地。中国画重视程式，重视程式美，画种境界乃是通过程式和形式之美得以呈现。西洋绘画近似话剧，而中国画则近似中国的京剧，文人画更接近昆曲，重品藻、重内涵、重意蕴、重境界。故在创作过程中，为表达情致而充分展开思想，强调作者心灵的能动作用。在达意、抒情、畅情、求趣上，都和骨法用笔、线条运布有密切关系，古时学画的画工都是从练习画圈和画方块开始的，画圈是练习曲线，画方块是练习从各个方向画直线，学习一段，就能体会到用笔的奥妙，这个方法是值得我们学习和利用的。
从中国画史的发展来看，每个时期的绘画风貌都受到时代环境的影响，构图、笔墨、表现方式等都反映着当时的审美趋势，但内在的精神却是恒古不便的，艺术是情感的表达，古人和现代人的外在物质是决然不同的，但内在精神方面却是一切不变，这也是现代人对古代艺术不知疲倦研究的原因。中国画有别于其他画种的标志就是笔墨，从谐和的“六法论”到石涛的“一画法”，丛临摹古人到生活写生，都是追求一个自然。山水画中“天人合一”的内涵是“人如其画，画如其人”的最高境界。画家要表现自己的思想感情，就要借助笔墨这种方式表达出来，对于笔墨的理解标准由四个层次：
第一阶段是用笔墨造型，也是国画的基本功能。（简单的认为笔墨就是毛笔与墨的关系）
第二阶段是懂得了笔墨技巧，是否是中国画的标准。知道了用笔的变化和用墨的效果。
●“骨法用笔”也就是书法用笔。
●线条的变化，如“折钗股”“锥画沙”都是形容用笔的变化。
●笔是骨墨是肉，用墨（包括用色）也就是用水的变化。会用水的作品韵味足，“屋漏痕”“泼墨法”也就是用水的变化。其他如“撒盐法”“拓印法”等也属于笔墨的范畴。
●“知白守墨”画面的留白、构图也是一种大的笔墨关系。
第三阶段选择适合自己的笔墨加以运用并形成自己的面貌。融性情于笔墨。
●陈子庄的“生而熟，熟而生。”是他难得糊涂的表现，刚劲的线条是力量的美，柔软的线条韵味无穷，恰到好处的用笔用墨的表现是一个成熟画家的表现。
●“元人一笔两笔不算少，宋人千笔万笔不为多。”是指笔墨多少的运用，每笔都能找到依据，都能看到师承脉路，是着一阶段的共性。
第四阶段无法之法地创造笔墨。
●“外是造化，中得心源”“我有我法，自有我在”等等是画家长期学习、积累、合理运用，抛开固有的一切笔墨约束，通过写生、思考后创造来的崭新笔墨语言，达到这点的就是艺术大家，用自己的语言完美地表现自己的思想感情。
●八大的清静孤高，石涛的诡秘多变，齐白石的朴实简洁，傅抱石的潇洒灵动，李可染的稳重虚心。
3）、墨的使用
画国画需要学会用墨，一般作画拥油烟墨。墨法是与笔法分布开的，画国画以笔取气，以墨取韵，这是中国画笔墨的追求。古人云“笔为骨，墨为肉”，就是十分恰当的比喻。
中国画的用墨是在不断地绘画实践中逐步形成的，用墨是根据具体表现对象而决定的，该淡就淡，该浓就浓，用墨是有层次和变化的，这些层次和变化都是由浓淡而构成，我们常说：“墨分五色”就是这个道理。中国画的用墨的层次大致有焦墨、浓墨、淡墨之分，在这些层次之间可以分出各种层次的墨色来。中国画的墨色是层出不穷的，墨法运用的目的是表现物象得体积感、空间感、质感，也不是仅仅为了表现明暗，更要的市去用墨写形传神。古人用墨，由“惜墨如金”之说，就是对用墨的至精之道。（如董其昌，故其作品流传数百年之久不变。）
现代山水画家黄宾虹先生深究用墨之法，他所画的墨色，无论浓淡，皆光华焕发，没有晦滞之色，他在画语录中把墨法归纳为七种：“浓墨法、淡墨法、破墨法、泼墨法、集墨法、焦墨法、宿墨法。”并说“七法齐用，谓之法备，不满三中不能成画。”
李可染先生把中国画的墨色分为五个层次，一般人只能达到两个层次。画到三个层次，就很不错了，达到四层为佳品，到达五层为神品。可见墨色在中国画中的重要。
用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡悉无精神，必须有浓有淡，浓处需精采而不滞，淡处需灵秀而不晦，用墨亦如用色，古有墨分五色之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓中有淡，淡中有浓；有最浓、次浓，稍淡、最淡，就是要灵活的用墨，用墨最忌板浊，板由无浓淡枯湿而生，浊由无浓淡枯湿处理不当而生，要采取浓破淡，淡破浓之法避免这些弊病。
笔法墨法结合运用，任何效果都可预期而的，古人云“用笔不可反为笔用，用墨不可反为墨用”，“笔中用墨者巧，墨中用笔者能”。因此，用笔必须和用墨结合起来，笔的轻、重、缓、急和墨的干、湿、浓、淡一定要协调起来，才能产生好的效果。另外，笔墨技巧的关键是笔、墨、水的关系的恰当运用，只有充分好的发挥了三者的关系，才能达到自由的运用，其关键是到实践中去体会，不断吸收经验，熟能生巧，巧能生其，其就达到了艺术的至高境地。
4）、线的使用
中国画的特性是由于其特有的绘画工具而形成的，不同的工具必然产生出不同的效果和各异的风格。中国的毛笔的使用是中国书法、绘画在早期就显示出用线描画的特征，经过数百年的积累和发展，到战国时已确立了以线条居主要地位的绘画形式，这一艺术技巧的特点是中国绘画的典型特征，它具有典型的民族特性和独特的艺术风格。从战国的帛画到西汉早期的佚名绘画，这种利用简练、流畅线条进行绘画的形式一直沿用至今，产生了众多的画派，显现出不同的地域画风。
中国的书法和绘画艺术，都讲究线条的运用和变化，“线”，是中国画创作书写情思，塑制物象，营造意境，酿成气韵得最基本的要素及手段。中国画家运用大小、软硬不同的毛笔和轻重、缓急的方式，在专门的宣纸上用墨产生不同的黑白或色彩效果。在书画创作时，他们把艺术观念和高超的绘画技巧同时集中表现在他们的作品中，倡导“外事造化，中得心源”的艺术境界。也显现出画家的品行、气质和修养。
怎样描画线条，即如何用笔；怎样掌握水墨即怎样用墨。大致说用笔的方式有两种，既“中锋”和“侧锋”。中锋，笔尖在线、点、面得中间，而侧锋笔尖都顶着线、点、面。同样一条线，由于用笔的不同，线条的表现和感觉也随着不同。山水画中钩、皴、点、染贯穿着用笔用墨的技巧。“钩”、“皴”、“点”“染”四个过程，以钩最为基本，这四个过程既是用墨的过程，也是用笔的过程。笔法是根据物象描绘的需要，在轻重、徐疾的运笔中使线条表现出丰富的变化，石涛在画语录中说：“动之以旋，润之以转，居之以旷，出如截。入如揭，能方能圆，能直能曲，能上能下，左右均齐，凹凸突兀（WU）,绝截横斜，如水之就深，如火之炎上，和自然而不能强也，”这里说的是笔划的运用和作用，只有善于执笔运腕、悬腕、悬肘、运臂，能自由转动，八面出锋，才可刚柔虚实，抑扬顿挫，无不如意。
笔法中有四个方面需要了解和掌握，既速度、水分、压力和方向，这四者互相制约，互相关联，相辅相成。书法中把行笔的速度称为疾涩，疾为快，涩为慢。快的效果爽利，慢的效果是沉着。水多笔速不致涨淫，笔干慢速也可滋润，这里要注意的事，行笔太快非浮薄即枯焦平板，行笔太慢非涨淫即痴呆造作。因此，快慢要合度，快慢只是表现的方式，还要结合其他因素从心所欲。笔中水分的多少与行笔的速度结合，则干湿浓淡无不如意。没有水的作用墨色不能变化。古人说：“画要善于用水，一要洁净，二要合度，三要渗破。”所谓“秋风干裂”“春雨蕴含”，“势如崩云”，“形同碎锦”等效果的产生都与笔中水分密不可分，水用得恰到好处，是墨色明镜醇厚，意趣无穷，令人神往，笔在纸上压力的轻重不同，可得宽狭、干湿、整破、刚柔等不同的线和点，山水画中的皴法多为笔在纸上的压力不同而形成。压力与水分、速度相结合，就更增加了笔墨的变化和表现力，从笔锋的位置和运行方向不同，可分为中锋、侧锋、顺锋、逆锋，笔锋在笔划的中间叫中锋，笔锋在笔画的一边叫侧锋，从左到右、从上到下行笔叫顺锋，反之则为逆锋。
5）、点的作用
点苔是山水画技法的重要创造，其广泛运用，不仅丰富、发展了山水画的艺术语言和艺术风格，而且也大大的拓展了山水画意境的内涵，“宋法刻画，而元变化”，其中明显变化在山水画艺术表现苔点运用何必线的交响上，是展示江南画派的韵味更趋深邃，点在画面境界创造方面点线相协，“妙在相参而无碍”，使某些繁复苍郁的意境能得到深入的表现。在元时电台的技法以相当成熟，并形成了各家鲜明的点苔特点，成为某家审美风格的重要组成部分。如黄子久的竖点，陈书明的渴点，倪云林的横点，仲圭的攒点。并非“恐覆山脉之巧，障皴法之妙”（沈周）而不以苔法，而是发展到“画不用苔法，山无生气”的地步。元四家等为代表的“元画”，点苔配合着用笔如行楷、行草的皴笔，是画面艺术的韵味感、意趣性大为提高，这也是南画一个突出的形式特点，点苔的作用大至有五点：
（1）． 分清山石的界限；
（2）． 提醒山石的精神；
（3）． 补充皴法的不足；
（4）． 代替草和远树以见“草木华滋”的气象；
（5）． 与线笔配搭，以见笔墨的变化。
绘画作为人的意识活动，山水画作者把人对自然的印象转变为艺术形象，想象是介于感觉和理智之间的，但各代艺术意识，审美观念却各有变异，艺术方法各有不同，因此形成了众多的流派、面貌，可见点苔创造的不同形式和自然规律的联系是分不开的，自然现象必须服从艺术表现的要求，艺术表现来自于自然现象。
点苔是笔墨中的一个不可忽视的技法，点苔可视为是山上的小树和小草，也可视为小石或其他物象，还可以起到破墨的作用。明唐志契论点苔，当从石缝中点出，或浓或淡，或浓淡相间，不多不少，不密不疏，古画有横点、直点、亦有不点苔者，先画一石，无一笔颓败，故每点一点，必须安适。点苔不可牵意点擢，乱点一阵，苔点点的好可意趣迥异。
6）、色彩的运用
用水墨画出来的山水画，基本上已经能把美丽的景物的精神表现出来了。但要进一步要求更加美观，表现得更真实就需要这色。
（1）、山水画的着色基本分两大类：1、浅绛着色。2青绿着色。（有的分为三类即浅绛、青绿、水墨。）
元朝以前的山水画对于着色非常注意真实，处处都是对照实景，虽然不是对景写生，也是对景物有长时间的领悟之后，或者在勾稿时作详细的分析，创作出来的画才美丽、耐看。（象齐白石的手稿小构图上，有很多注释，注明什么地方如何画，如何着色，着什么色，一一列出，和详尽，可见它的认真，当然每幅作品都会成为精品。）如故宫藏画《千里江山图》（宋王希孟作）青绿色彩至今依然艳丽如新。
元以后的画家，大都采取简便法。只师古人，不是造化。照古人的临摹，失去了真实。
黄子久画虞山风景，据景创造出一种浅绛着色法，画出来真实的反映了虞山的实景，明、清画家承袭了这种着色方法，随出现了浅绛山水。
（2）、色彩的运用
山水画的着色原则上应：
第一、 鲜明，用色洁净自然就明块了。
第二、 大方，多体会真实景物的着色就大方了。
第三、 沉着（就是不轻浮），着色要注意用笔，不可轻轻一抹，染山石物体或天空泉水，需融洽而不刻露，就会沉着不轻浮。
第四、 浑厚。染色时要和原来的笔墨协调融合，不使颜色比原来的笔墨刻露痕迹，要色不碍墨，墨色融合，就可以达到浑厚华滋。
总的来说，着色的窍门要生动、调融。不论浓色淡色，着青绿或浅绛，用色的时候都要生动自然，不可有丝毫板滞的地方，用水多少必须合适。其次要注意原来画的墨底，让他处处墨色相调，“色不碍墨，墨也不碍色，”就说明颜色是帮助墨的不足的，墨是颜色的骨干，色和墨要融化，要做到所有颜色不掩盖墨的光彩，不减退笔力，才能达到着色的作用。
（3）、浅绛山水的着色：
浅绛是红赭色，以赭石为主，同时施一淡花青，用这种方法着色，要在单纯中见丰富。先用墨色画出墨稿，笔要简练，清晰。墨干后，用但这是渲染，山石暗部加少许花青，（也可加点藤黄）要给人以淡雅的感觉。
（4）、青绿山水的着色 写意画的用笔方法，历代画家总结了很多宝贵的经验，其中比较重要的是：“意、力、韵、趣”的用笔“四要”。
（1）笔意
就是要意在笔先，画家下笔时要心使腕运，以一种特定的情感、意念去驱使笔墨，才能因意成像，以像达意。笔意是用笔之总要，无意之笔是死笔。历代画家创造的艺术，所以能激动人心，主要是画家在笔墨技巧中融进了激情和意趣。
（2）笔力
就是运笔的力度感，是形式美感的重要因素。笔的力度感有两种内涵：
第一是功力的力。所谓“力透纸背”、“笔能扛鼎”就是一种运笔功力的表现。表现运笔功力的程度有“老”与“嫩”之说。功力的老到，要有一个长时间的锤炼过程才能做到，所谓“学力到，心手相应；火候到，自无板、刻、结三病矣”。功力老到的画家，即使柔细的线条，也能做到柔中有刚，棉里藏针，有内在的力度。而初学者，无论使多大的劲，笔痕还是稚嫩无力，所以，笔力是一个长期的功夫。
第二是气力的力。属于用笔技巧，只要掌握用笔的方法和规律，就能做到。运气使力的方法，首先是下笔前的用意要有力，要全神贯注，凝神静气，然后以意领气，以气导力把全身的气劲由臂至腕，由腕至指，再由指把力注于笔端，使劲力自然透出笔端。切忌表面的剑拔弩张、火气十足。
（3）笔韵
所谓笔韵，有韵味和韵律二种含意。韵味，就是要求通过用笔的轻重、虚实、刚柔、方圆、徐疾、顿挫等变化，求得画面的统一与和谐。如同音乐一样，有一个基调、一个主旋律。韵律是用笔要有运动感和节奏感。和书法一样，讲究线节奏，“侧法如飞鸟翻然而下”，“勒法如勒奔马之缰”，“轻如行云流水之变动”，“重如高山坠石之势”。
（4）笔趣
笔趣有意趣和天趣两种含意。用笔有趣，才能使观者赏心悦目，获得美的享受，故笔趣乃是使画产生形式美感的关键。用笔的意趣，在于巧妙地处理笔的生熟、巧拙、老嫩等关系。用笔熟而生巧，美则美矣，但会流于匠气、市井气。所以笔贵在熟而后生，由熟返生，“画到生时是熟时”，才生意趣。用笔灵巧、奇妙，固然不易，但要警惕流于甜俗。所以用笔贵在古拙，由巧而到拙，纯朴而磊落大方，乃生机趣。
用笔的天趣，发于无意之笔，所谓“好笔、好墨偶然得”，是一种顿悟，灵感突发。求笔的天趣，固然与画家的才能有关，更重要的是需依靠平时的学识、修养和长期的苦功。 c1、中国写意画讲究用笔和用墨，用笔包括（落笔），（行笔）、（收笔），用墨包括墨色的（浓淡），（干湿）的变化的运用。
2、传统中国画的基本技法是（勾）、（皴）、（点）、（染）。... 用笔包括笔意、笔力
用墨包括墨色的质量和阶梯
温馨提示：答案为网友推荐，仅供参考
第1个回答 2022-11-16
一般说来，墨的五彩如下：
1、焦墨：即是把研成的墨汁在砚池内经过半日的挥发，再用来画画中极其深重而又突出的部分。它是在全幅画中特别黝黑的部分，黑而有光亮。
2、浓墨：是说墨色的黑度，仅次于焦墨。焦墨可能有光泽，浓墨因为加入水分，虽黑而无亮光。
3、重墨：这是对淡墨说的，它比浓墨水分更多些，比淡墨则又显出黑一些。
4、淡墨：水分加多，成了灰色的叫淡墨；
5、清墨：这在墨彩上则是仅仅有一些淡灰色的影子，这影子去表现朝雾夕烟似的模糊形象。
扩展资料：
墨分五色，中国画技法名。指以水调节墨色多层次的浓淡干湿。
语出唐代张彦远《历代名画记》：“运墨而五色具。”
“五色”说法不一，或指焦、浓、重、淡、清；或指浓、淡、干、湿、黑；也有加“白”，合称“六彩”的。实际乃指墨色运用上的丰富变化。在中国画里，“墨”并不是只被看成一种黑色。
在一幅水墨画里，即使只用单一的墨色，也可使画面产生色彩的变化，完美地表现物象。
“墨分五色”，那墨色有 “干、湿、浓、淡、焦”五种，如果加上“白”，就是“六彩”。
其中“干”与“湿”是水分多少的比较；“浓”与“淡”是色度深浅的比较；“焦”，在色度上深于“浓”；“白”，指纸上的空白，二者形成对比。
各种墨色的特点及用途如下：
1、“干” 墨中水分少，常用于山石的皴擦，可产生苍劲、虚灵的意趣。
2、“湿” 墨中加水多，与水调匀运用，多用于渲染，或雨景中的点叶、点苔、使画面具有湿润之感，或用于泼墨法，表现水墨淋漓的韵味。
3、“淡” 墨色淡而不暗，不论干淡或湿淡，都要淡而有神，多用于画远的物象或物体的明亮面。
4、“浓” 为浓黑色，多用以画近的物象或物体的阴暗面。
5、“焦” 比浓墨更黑，用于笔蘸上极黑之墨是为焦墨，常用来突出画面最浓黑处，或勾点或皴。
参考资料来源：百度百科—墨分五色
本回答被网友采纳第2个回答 2023-04-29
墨的主要原料是煤烟、松烟、胶等，是碳元素以非晶质型态的存在。通过砚用水研磨可以产生用于毛笔书写的墨汁，在水中以胶体的溶液存在。 墨的水分及胶的成分不同，会影响到墨的黏度。在不同场合使用的墨，其黏度有所不同。另外，初制成的墨的水分亦较多。另有存放时间较长的墨，其致密度较高，并经过长年累月的干燥，使墨色的立体感更高。这种墨在日本被称为“古墨”。 墨的主要原料是烟料、胶以及中药等。通过砚用水研磨可以产生用于毛笔书写的墨水。 墨给人的印象似稍嫌单一，但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料，中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味，而是内涵丰富。作为一种消耗品，墨能完好如初地呈现于今者，当十分珍贵。 在人工制墨发明之前，一般利用天然墨或半天然墨来做为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载，古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。中国考古发掘出来公元前14世纪的骨器和石器上已有墨迹，还从湖北云梦县发掘出来战国时代的墨块。《庄子》中有“舔笔和墨”句，说明在春秋战国时代，已经开始用用毛笔和墨水了。 《述古书法纂》载：西周“邢夷始制墨，字从黑土，煤烟所成，土之类也。”古代写字，以竹挺点漆，后磨石炭为汁而书，叫石墨。秦汉多用松烟、桐煤制墨。现知最早的烟墨，在湖北云梦睡虎地秦墓和江陵凤凰山西汉墓发现。当时的墨，是一些小圆块，没有模制成锭。 至汉代，终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟，最初是用手捏合而成，后来用模制，墨质坚实。据东汉应劭《汉官仪》记载：“尚书令、仆、丞、郎，月赐愉麋大墨一枚，愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省千阳县，靠近终南山，其山右松甚多，用来烧制成墨的烟料，极为有名。 魏、晋、南北朝墨的质量不断提高。北魏贾思勰著有《齐民要术》，其中写下了我国最早一篇讲制墨工艺的《合墨法》。唐代制墨名工奚超、奚廷珪父子，制出了“丰肌腻理，光泽如漆”的好墨。宋代墨工潘谷是造墨高手，苏东坡、黄山谷等书画家极为推崇。明代邵格之、程君房、方于鲁等各树一帜，歙县与休宁两派制墨，争奇斗胜，所制精品，距今三百余年，仍彩色焕发。清代制墨，主要向“精鉴墨”(专供鉴赏的墨)和“家藏墨”(多作收藏或馈赠亲友之用)两方面发展，成为精美的工艺美术品。 墨分“松烟墨”和“油烟墨”两种，松烟墨以松树烧取的烟灰制成，特点是色乌，光泽度差，胶质轻，只宜写字。油烟墨多以动物或植物油等取烟制成，特点是色泽黑亮，有光泽;最常见的桐烟墨，坚实细腻，具有光泽。中国画一般多用油烟，只有着色的画偶然用松烟。但在表现某些无光泽物如墨蝴蝶，黑丝绒等，也最好用松烟。中国画的墨，一般是加工制成的墨锭，选择墨锭时，要看它的'墨色。看墨泛出青紫光的最好，黑色的次之，泛出红黄光或有白色的为最劣。按用途可分为普通墨、贡墨、御墨、自制墨、珍玩墨、礼品墨等。 御墨 御墨，顾名思义，当是皇室宫廷用墨，前文所说南唐李煜封李廷珪为墨务官来看，最迟在唐代末期已专门生产供皇室使用的御墨。目前所见最早为明代永乐御墨。国宝墨，牛舌形，一面为阳文涂金二龙纹，中为阴文楷书“国宝”二字，一面为四组涂金如意云头纹，中间“大明永乐年制”蓝色楷款。制作颇为精湛。宣德时亦有御墨。龙香御墨，牛舌形，一面龙戏珠凸纹，一面阴文楷书“龙香御墨”四字，下有阴文楷书“宣德元年制”款识。龙香墨原为唐玄宗御制，唐·冯贽《云仙杂记》：“玄宗御案墨，日龙香剂又(成都记)：“唐玄宗以芙蓉花汁调香粉作御墨，曰龙泉剂”。 贡墨 贡墨是官吏们请墨工制造并进呈皇帝的墨，均署有进呈者名款，有的同时署有墨工名款。贡墨的制作极精，堪称墨中精品。天书焕彩五色贡墨，共五锭，圭形，蓝色，一面饰有双龙，上下饰如意头云纹，背面隶书填金“青圭”二字，侧面有楷书“江西巡抚陈淮恭进”款识;螭龙形，绿色;轮形，黄色，一面书有“如意宝轮”四字;蚕形，朱色;玉佩形，紫色。除圭形墨外，均有青铜器上常用纹饰。墨盒髹黑漆，双龙纹描金，中间篆书“天书焕彩”四字。贡墨在制作上不惜工本，具有烟细胶清，隽雅大方，装潢精美的特点。 自制墨 自制墨是按造墨者的意愿所制的非卖品，多为官吏、士绅、书画名家所制，或署有墨家名款，或署制者名款。其选料精致，亦属收藏中的上品。书画舟墨，长方形，一面阳文行书“书画舟”三字，一面阴文楷书“曹冠五藏墨”五字款识，右侧阳文楷书“康熙己酉仲秋之吉”八字。为河北丰润人著名墨工曹冠五自制墨。当时墨坛有南北曹之说，南为曹素功，北为曹冠五。珍玩墨是专为欣赏收藏而制的非实用墨，选料上乘，墨模的雕刻甚精，艺术性高，亦为墨中精品。珍玩墨的形体各异，如明方林宗的鸠砚式墨，明邵琮林的杨梅式墨，清汪时茂的响泉琴墨，清胡开文的秦权墨和地球墨等，而最为人所称道的当是胡开文墨店创始人胡天柱所造的人磨墨墨磨人墨。如，墨一组两锭，均为人形，双手于胸前捧一圆形大墨，圆墨上篆有“人磨墨墨磨人”文字。一锭金光闪闪，一锭本色细润，墨背有楷书“乙酉首夏肖琴甫倩胡开文造”款识。此墨质精、款新，为珍玩墨中的佳品。礼品墨是作为馈赠的非卖品，此类墨多注重外部的表现形式，装潢精美。由于不是实用品，故烟料较差，但其寓意明确，亦为收藏中的上品。品种有寿礼墨、婚礼墨、谢师墨等。如吴闻礼秋水阁墨，牛舌形，通体饰有流云纹饰，一面方框内阴文楷书“牧翁老师真赏”，旁阳文楷书“门人吴闻礼上”。另一面方框内阴文楷书“秋水阁”三字，右下阳文楷书填金“羽吉”长方印文。藏墨虽为小项，但历史颇为久远，宋代大文豪苏东坡就爱藏墨。平生至爱之墨有四箱之多。明清之时此风更盛，特别是名工所制之墨价值不菲，程君房曾自诩“残墨百年可比黄金”。 形状分类 长方形墨 龙德御墨 龙德御墨 圆形墨 碑形墨 断木形墨 亚形墨 宝瓶形墨 古编钟形墨 腰元形 八角形 椭圆形 半月形 圆柱形 鸟兽型 墨的颜色 墨就是黑色之意，但是古代的墨不仅仅是黑色，还有其它颜色的彩墨，墨的大小一般是二十六锭。 白墨 彩金墨 黄色墨 绿色墨 青色墨 红色墨 七色墨 红墨
第3个回答 2023-03-24
王飞涯王飞涯，字持源，职业画家，1975年出生于江西新余，中国美术学院中国山水画专业，师承方严，中国美院竹林会馆会员。▎入展获奖：花鸟作品《默香》入选2015年湖南省五市花鸟作品联展获优秀作品奖山水作品《秋山农居图》获2015首届江西省优秀美术作品展优秀奖山水作品《清泉人家》获2015山水家园首届全国山水画创作展优秀作品奖2014年6月参加中国美院举办《万壑家园第三届山水画作品展》2015年10月长沙举办《智绘画堂-王飞涯师生作品展》2015年12月江西举办《持源-王飞涯中国画回乡展》并举办过多次个人画展 感悟中国传统笔墨精神文丨王飞涯说起中国画，看如今国画名家及国画大作遍地，风格多样，个性千般！也是有所感悟，想想早些年没真正学习中国画的时候，认为只要是用毛笔和墨在纸上画画就是中国画。后来进入中国美术学院学习，才对中国画有了真正的理解和体会，更有甚受方严老师指导，对中国画的博大精深有了更深的领悟，中国画的高度，更体现在画家的内外兼修的高度，不光在笔墨技法上要达到一定的水准，内在的学识修为更为重要。现在很多画家都想尽办法追求个性，总想用很特别的东西去博眼球，什么是个性和创新？就如方严老师所说：”个性本来每个人天生就有的，有什么可追求的？人要学的无非是共性，而不是个性，个性是不能抹杀的，个性和创新要在共性里面去表现去创造，就像我们说的走路必须直立行走，这是共性。任何人都应该直立行走，但任何人都有自己的步伐，在这个共性里面让你去学别人的步伐你也是学不会的。“如今有多少画家继承了中国画的笔墨精神？又有多少画家在中国传统笔墨技法和理法有过更深的学习和探索？作为一个职业画家，中国画的传统文化及理法我们理应传承和尊崇！
第4个回答 2023-05-02
《庄子》中有“舔笔和墨”句，说明在春秋战国时代，已经开始用用毛笔和墨水了。
相似回答