艺术与美术，这两个词汇看似相近，却承载着丰富的历史沉淀和哲学内涵。让我们一起深入探讨，艺术概念从古希腊的宽泛视野到现代的多元化演变是如何区分这两者界限的。
在古希腊，艺术的范畴涵盖了绘画、建筑，每一件作品都力求技巧的精湛。然而，柏拉图的理论将艺术划分为模仿自然、物质世界与影像艺术三层，绘画被视为影像艺术，地位相对较低。亚里士多德虽然重视模仿作为学习工具，但艺术在当时并未获得最高荣誉。
中世纪，基督教的影响力塑造了艺术观念，音乐成为唯一被尊崇的艺术形式，绘画则被归于模仿的范畴，地位有所下降。
随着文艺复兴的兴起，人们开始质疑传统，崇尚人文主义。艺术家们渴望提升自身的社会地位，绘画、雕塑等艺术形式被赋予新的定义，追求展现人的本性和科学精神。此时，艺术品投资兴起，艺术家不再仅仅是工匠，而是学者，艺术与科学的交融逐渐显现。
艺术学院的建立和“设计艺术”的提出，标志着艺术概念的进一步拓展，如“美的艺术”和“机械艺术”等新概念纷至沓来。巴多对“美术”的定义则更为具体，他强调美术是追求愉悦的表达，强调艺术与技艺的区分。
进入19世纪，艺术在经济危机和战争的影响下，艺术家们反思社会现实，艺术的定义变得更加复杂。尽管试图统一分类，但模仿和美的概念在不断演变，使得艺术的界限变得模糊。科技的发展，如超现实主义和概念艺术的兴起，彻底瓦解了传统艺术的框架，现代艺术的定义变得愈发多元和个体化。
在中国，美术课程被称为“画图课”，而非“艺术课”，反映出历史和文化对艺术理解的差异。艺术和美术的区别在于，艺术是情感的流淌与哲学的探索，而美术更侧重于美的捕捉与再现。艺术的定义并非永恒不变，它随时代、地域与环境的变迁而演变，没有固定的界限。