隋唐到明清水墨画发展的衔接。

Question

如题所述

Answer 1

中国传统山水画初期遵循“随类赋彩”的法则。“随类赋彩”也就是根据对象的类别加以区分性的着色，色彩只是表现形体，物类的一个手段。在“水墨为最上”提出之前的很长一段时间，中国山水画的色彩观都是以“随类赋彩”为标准。到了隋唐，山水画虽已具很高的艺术价值，但仍是青绿赋彩的传统形式。但随着时代的发展，儒道思想的影响，士大夫审美趣味的改变，抑制色彩的观念便逐渐盛行，因此自画家王维提出“水墨为最上”的论调后，水墨便逐渐取代色彩的地位，普遍的为一般画家所采用。荆浩在《笔法记》中云:“随类赋彩，自古有之，如水墨晕章，兴吾唐代”。这之后，张彦远又在其《历代名画记》中说:“夫阴阳陶蒸，万象错布，玄化之言，神工独运。草木敷荣，不待丹碌之彩，云雪飘扬，不待铅粉百白，山不待空青而翠，凤不待五色而。是故运墨而五色具，谓之得意，意在五色，则物象乖矣!夫画，特忌形貌采章历历具足，甚谨甚细而外露巧密。”不难看出，运用水墨方能如此得意，实已等于或更胜于赋彩。于是，“水墨画”和“以色貌色”的“赋彩画”就一直并行发展着。到了五代北宋，以董源、巨然为代表的南方山水画派，都善用墨。他们以墨辅笔，写一片江南景色。北方山水画派宗师荆浩则首次提出“气、韵、思、景、笔、墨”六要，把墨法作为其中之一给予理论阐述。于是乎我们对于中国山水画的“墨”也就不能单纯的理解成为一种工具材料，水墨中黑白两色，白色是无色，墨在宣纸上产生的变幻无穷的效果，也是中国山水画发展的生命力之所在。到了明清，中国山水画家们又在控制并发挥生纸的性能上达到了空前的高度。一些常用绢作画的画家发展了湿画法，用水更饱和，水墨恣肆，气势非凡。徐渭、石涛、八大以及扬州八怪等，则把泼墨、破墨技法发展到新的高度，开创了水墨大写意的新世界。近代画家黄宾虹，用前人用墨的经验，提出了浓墨、淡墨、破墨、泼墨、积墨、焦墨、宿墨、“七墨法”。即便如此，我们不能说我们的前辈不懂得色彩，厌恶、排斥、抛弃色彩。其实水墨淡色与重着色的画法在古代也是有的。在墨与色的关系上，一种以墨为主，以色为辅；另一种以色为主，墨不碍色，互不侵犯相得益彰。

Answer 2

其实没明白你这问题什么意思
但是看过一篇文章，希望对你有帮助。下面给你复制一下。
中国画发展史，在这里即卷轴画的风格演变历史。中国画自战国以来，发展到清朝鸦片战争之前,已经过约2000年的发展，历史是相当悠久的，风格也经历了多次的变化。
《人物御龙图》和《龙凤仕女图》是出土的战国楚国帛画，笔墨简洁，人物神情生动。虽然不能叫卷轴画，但可以窥见当时的绘画水平。随后出土的汉代长沙马王堆的西汉初驮俣家族墓的帛画和导引图，构造复杂仍井然有序，造型更为完美。令人以想象当时绘画水平达到如此高的艺术境地。
魏晋南北朝是卷轴画的滥觞期，真正意义上的中国画出现了。此时人物肖像画是主要的创作主题。顾恺之“传神写照”理论提出，要求绘画作品应重表现人物的风貌、气质。这和后来的绘画理论家谢赫“六法”中的“气韵生动”对当时绘画风格有很大的影响，也为中国画重气韵的特点的形成打下了基础。
隋
唐的中国画迎来了一个发展的高峰。唐代在隋代承前启后过渡的基础上，获得了全面的发展。一代巨匠吴道子在人物（含宗教画）画和山水画领域里都有重大贡献。
他的人物画，尤其是宗教人物，被誉为“六法俱全”，人物衣带如风吹波动，人称“吴带当风”。代表了人物画发展的成熟。他和王维共创的“水墨山水”画法和当时的李思训、李昭道父子开创的青绿山水画风，分别被明文人画“南北宗论”尊为南北二宗。唐代韩滉作《五牛图》是传世的最早作品，代表当时流行的牛马画的高超水平。
五代卷轴画风格之变是由唐入宋的过渡。北方，荆浩和关仝开创了雄伟壮美的全景式山水。南方则有董源、巨然为代表的江南画派，善于表现平淡天真的江南风景。董巨画风在元后流行起来，对中国画风格发展产生罕见的影响。花鸟画坛上出现了黄荃的精工富丽画风和徐熙的天然逸趣画风的分野。这两种画风一直存在于以后几个朝代的花鸟画风格发展中。 在整个卷轴画风格发展中，宋代是一个极为重要和关键的时代。就传说的作品而言，宋代的遗存远胜过以往任何时代。
宋代的人物画创作成就，不及唐代的发展，但在山水和花鸟画领域内，经过长期蕴酿，唐和五代的渐趋密切，逐渐兴起的文人画创作高潮，关键也在宋代形成。文人画带来的审美观念变化是导致中国画风格演变的重要原因。宋代山水创作一度繁荣。北宋崇“北宗”，上承唐之青绿山水和荆关的全景山水。至南宋李刘马夏②山水画风为之一变。出现“一角半边”式的构图及所谓“院体”画风。对后世山水创作有极为重要意义。黄荃与黄居寀父子的“黄家富贵”已经占据画院主流并为宫庭所推崇。徐熙的“野逸”只好于民间发展，其孙徐宗嗣继其祖业，创“没骨法”③。别具一格，另外，徽宗赵佶的精笔水墨花鸟就是一种新的创造。宋代画家不拘成法，以写生为基础，创造出大量生动多样的艺术精品。 元代带来的审美意识的变异，这给中国画的发展不可避免地带来深刻地影响。元代卷轴画风格总的发展趋势是重视对古代传统的继承上，创新立意。突出表现就是文人画开始占据画坛的主导地位。所以适合于表现文人画家意识的山水画和枯木竹石、梅、兰以及墨笔花鸟大量涌现，人物故事画的相对减少。随着文人画的繁荣，绘画作品中诗、书、画进一步切结合而且成为普遍的风尚。这加强了中国画的文学趣味，更好地体现了中国画的民族特色。
同时，绘画理论和创作实践中，特别强调了笔墨技巧的运用，讲究绘画作品要具书法韵味，要求绘画体现书法性用笔，反对刻意求工，求似，主张神似，逸为上。追求作品的古意和“士气”，重视画家主观意兴和思想感情抒发。赵孟頫和“元四家”④是上述理论的实践者。他们的艺术成就又体现了中国画的一次创造性发展，对明清绘画理论、创作均起了决定性的作用。 中国画在明代产生了许多流派，各派又在创作和理论上自成体系。吴门画派⑤为代表的文人写意水墨画，在元传统基础上形成了新风尚。山水题材，重意趣和文雅淡逸。写意花鸟继元后大胆创新，变化突出，对后世影响深远。“白阳青藤”⑥是新风格的领导。晚明又有董其昌提出文人画的“南北宗论”之说，将文人画推为至尊，对清一代山水画风格起了深远影响。 清代的绘画艺术，继续着元明以来的趋势，文人画日益占据画坛主流，山水画的创作以及水墨写意画盛行。更多的画家在文人画创作思想影响下，追求笔墨情趣。清初“四王”⑦受皇室扶植，成为画坛正统派，他们以摹古为主旨，崇尚董其昌和元四家，讲求笔黑之韵，技巧功力颇深，影响整个清一代山水画坛。同时“四僧”⑧和龚贤领导的“金陵派”等反传统画家在江南兴起，他们的艺术主张抒发个性，因此作品风格新颖独特，感情真挚“四僧”贡献最为突出，对后世影响也最大。“康、乾”盛世时期，宫庭绘画在皇室扶持下活跃一时，“扬州画派”兴起于扬州地区，接过石涛、朱耷的“反传统”旗帜，以革新的面貌现于画坛。他们钟爱梅、兰、竹、菊等题 材和泼墨大写意手法，他们的艺术对近现代花鸟都产生了深远影响。 中国古代中国画风格发展大致如此。这些仅能纪录中国悠久的传统文化中一个极小的部分。历代流传下来的卷轴画很多已遭战争和人为破坏，我们只有从这些流传下来的不完全的宝贵作品中，来感爱我们伟大的民族传统文化。本回答被网友采纳